«... Для первого появления темы Принца я решил использовать стилизованный менуэт, который бы характеризовал этот персонаж в его первоначальном виде: вначале Принц предстает перед нами величественным, блестящим. Но дальше начинается постепенный распад этой музыкальной темы. И в конце пьесы она окончательно замирает: персонажи (Принц и Ласточка) жертвуют собой из сострадания к людям».

(Из лекции Феликса Янов-Яновского «Слово и музыка» 22 октября 2011)

«... Квартет, Ор.1» Дьёрдя Куртага - один из самых хрестоматийных квартетов 2 половины ХХ века. Парадокс в том, что Куртаг сочинил этот квартет довольно поздно, в 33 года (это было в 1955 году), но назвал опусом №1, будто бы все прежде написанное автор не посчитал достойным упоминания. Даже сейчас квартет слушается по-современному. А полвека назад он буквально изменил отношение музыкальной общественности к музыке не только самого Куртага, но и таких композиторов, как Веберн. Даже потрясающие струнные квартеты Бартока, который до того момента воспринимался лишь как аранжировщик народных мелодий, после этого Квартета Куртага многими были открыты заново»

(Из лекции Роланда Мосера «Квартет, Ор.1 Дьёрдя Куртага» 23 октября 2011)

«... Издавна исландцы для решения своих общественных проблем собирались в эту долину с огромными скалами, усиливающими голоса, с хорошей акустикой. «Hall» означает не простое эхо, а реверберацию - такой акустический эффект, при котором отзвук создается не искусственно человеком, а сам по себе, вернее, по законам природы. «Gegenstimmen» - это как бы второй голос, контрапунктом возникающая активность человека в ответ на предлагаемые условия»

«... Отзвук шагов в ночной прогулке, во второй части этой пьесы, получается, когда в партии фортепиано вторая, более низкая нота беззвучно зажата, и ее отзвук возникает естественным путем. Альт и виолончель изображают птиц, но партии фортепиано и струнных исполняются с разными пропорциями частоты. Партии птиц по ритму не зависят от ритма шагов человека, как и природа независима от человека»

(Из лекции Роланда Мосера «HALL - mit Gegenstimmen» 24 октября 2011)

«... Мы специально выбрали для анализа такие произведения, которые хорошо известны на Западе, но мало известны здесь. Мы хотели попытаться в этой новой музыке найти что-то известное, органичное для любой музыки, чтобы дать ключи для понимания современной музыки.
- А что такое для Вас современная музыка?
- Во все времена художники искали адекватный язык для выражения своих мыслей, чувств, своего видения. И этот язык развивается вместе с человеком. Так что для меня современная музыка - это та музыка, которая адекватна сегодняшнему выражению художником своего видения окружающего мира»

(Из ответов Роланда Мосера на вопросы слушателей)

«... При исполнении пьесы Майкла Гордона "Decasia" оркестр был разделен на две половины, а публика сидела между ними. Каждая из частей оркестра играла тот же аккорд, что и другая, но на четверть тона ниже или выше. И у публики возникало ощущение "расфокусированности" звука. Она вроде бы находилась внутри музыки, которая в плане звуковысотности все время менялась, как резкость изображения в бинокле. И слушатели сначала вовлекались в определенный ритм, в некий драйв, но с которым потом, при наложении ритма, начинали происходить интересные вещи»

«... Приемы использования неожиданных инструментов важны для композитора. Если сыграть пьесу «Timber» на обычных барабанах, она покажется заурядной. Эта способность перевернуть обычное - в необычное очень важна для композитора. Гордон сначала написал обычную пьесу, но позднее, в поисках новых звуков на разных инструментах вместе с исполнителями они добрались до очень интересного звучания пьесы на довольно больших брусках дерева. И такое внимание к звуку, как и живой контакт с музыкантами тоже очень важны для композитора, потому что в совместной работе находятся какие-то новые звуковые феномены, которые будут вас самих как композиторов питать».

(Из лекции Питера Адрианца «Современная музыка для ударных инструментов» 26 октября 2011)

«... После вчерашнего концерта по вашим произведениям и после анализа ваших партитур стало понятно, что вы под линией понимаете сочетание между звуковысотностью в определенном ритме, что линия для вас то же, что мелодия или тема. Это очень важный вопрос и я надеюсь, что вы будете размышлять над тем, что это такое - линия в музыке, а что - мелодия. Мы начнем с сочинения Джона Кейджа " Ryoanji", которое было написано под впечатлением от гармонии известного Сада камней, где на белом гравии в особом порядке расположены камни причудливой формы. Сначала композитор кривой линией изобразил форму поразивших его камней. Затем, используя эти изображения, он начал писать партии для разных инструментов.

Итак, партитура не просто была сочинена, а нарисована. И интересен сам процесс превращения реального объекта в объект музыкальный.

Как из этих кривых линий, изображающих форму камней, появляется музыкальный материал? Наверху обозначен диапазон, в котором играются каждая из этих партий - линии объектов от "соль" до "си" первой октавы. Вертикальная черта показывает высоту тона, а кривая показывает "поведение" звука, как должна изменяться высота звука в пределах данного диапазона…

Здесь есть еще одно важное определение: одна страница играется одну минуту. Получается так, что, хотя точного ритма нет, временные границы определены. И композитор контролирует процесс в каждый отрезок времени. Каждая страница представляет новый камень и имеет свой диапазон. Иногда пунктиром обозначается камень, невидимый за передним камнем. Если исполнитель один, то он должен заранее сделать аудиозапись партии невидимого камня, а потом на ее фоне сыграть партию видимого. А здесь разными инструментами играются разные камни.

Пьесу для каждого инструмента из этого цикла должна сопровождать партия ударных, которая символизирует ограничение пространства, ровный прямоугольник, внутри которого находятся неровные объекты - камни. И весь этот цикл повторяется неопределенное количество раз - символ ежедневного разравнивания граблями гравия, но каждый раз с какими-то погрешностями, отклонениями. Т.е. смысл пьесы: «На базовом уровне существует порядок, но в деталях всегда найдутся шероховатости» Идея Кейджа - в попытке передать музыку природы, то, как звуки существуют сами по себе.

Обратите внимание на свободу интерпретации этих графических объектов в реальное звучание, которую автор дает исполнителям. Слушая, ответьте себе, как такого плана линия отличается от вашего представления о мелодии и линии? Как такая организация времени и линии по высоте отличается от обычного восприятия? Что получается в итоге? Что вы думаете о таком типе мелодии?»

(Из лекции Сенг-А О "Линия, цвет и пространство" 27 октября 2011)

«... Немного о том, что я увидел в ваших партитурах, предоставленных для участия в мастер-классе. Понравилось, что в них много мелодий... У всех достаточно хорошая нотация, а значит, у вас есть определенные базовые навыки. Вы записывает мелодию очень точно, иногда слишком точно. Но уже хорошо, что вы знаете, как записать то, что хотите услышать… Очень часто в вашей музыке используются различные виды глиссандо - много интересного можно придумать с этим приемом и вы это чувствуете и знаете… К моему удивлению, некоторые из вас использовали литавры, хотя в камерной музыке их не используют, но вы это сделали и это сработало - мне было интересно.

Мне очень понравилось, что вы постоянно пытаетесь соединять народные узбекские инструменты и европейские. Я знаю, что это было требование организатора мастер-класса, Ансамбля Omnibus. И, тем не менее, это очень важно и интересно. В свое время в Мексике возникло целое музыкальное движение. Желая создать свою собственную, мексиканскую школу и избежать влияния европейских традиций, композиторы отказывались писать европейскую музыку. Но при этом только один композитор, Сильвестр Ревуэлтас (Silvestre Revueltas), использовал не европейские, а мексиканские инструменты. Другие композиторы, чтобы писать европейскую музыку, уехали в Европу, занимались у известных педагогов. Но их музыка, похожая на музыку многих других композиторов, сейчас практически забыта и в Мексике не исполняется. Зато Сильвестр Ревуэлтас, начавший развивать народные инструменты, считается одним из самых почитаемых композиторов в истории мексиканской музыки ХХ века и его произведения очень часто исполняются.

И еще одно важное замечание по вашим партитурам: у вас мало эпизодов, где музыка становится более расслабленной. Музыка почти все время громкая и быстрая, и все изменения в ней происходят мгновенно. Есть ощущение, что вы боитесь, что кто-то перестанет вас слушать и вам нужно все время держать внимание быстрыми изменениями. На самом деле будет обратный эффект, если вы покажете всего одну мысль на протяжении 3 мин. Люди, наоборот, будут с большим вниманием слушать такую музыку.

Причем ваша музыка каждый раз представляет что-то конкретное: какую-то историю или сон. Но музыка может быть и абсолютно абстрактной, не связанной с чем-то конкретным. Она может быть просто музыкой и это важный момент, о котором стоит подумать»

«... На вчерашнем концерте вы узнали, что я - минималист и мне нравится это слово. Когда в 80-х годах минимализм стал популярным, большинство минималистов от него и всяких "измов" отказывалось. Но я себя продолжал называть минималистом. И никогда не использовал больше одной идеи в своих пьесах».

(Из лекции Тома Джонсона «Самопроизводные мелодии» 29 октября 2011)

Аудиозапись лекций педагогов мастер-класса 2010-2011 годов доступна в Центре современной музыки Ансамбля Omnibus

 

 
Copyright by Omnibus Ensemble
Povered by OLLI
Design by "Design Drugs"